La escena del diseño de interiores y mobiliario en México ha tenido fuertes proponentes femeninos desde principios del siglo veinte. La llegada de inmigrantes que desarrollaron su carrera en México, como la diseñadora de mobiliario cubana Clara Porset en 1938, o la diseñadora textil Cynthia Sargent, de Cambridge, Massachusetts en 1951, fue crucial para el desarrollo de la disciplina. Porset además fue curadora y formadora, comprendiendo desde un principio que como mujer, había que trabajar el doble por la incredulidad que se nos da sólo por serlo. 

Hoy en día, esta característica comienza apenas a transformarse o al menos a escucharse. Se puede decir que el movimiento #MeToo sigue causando reverberaciones sustanciales en la industria del diseño industrial y la arquitectura, ambas históricamente dominadas por hombres.

La primera mujer en graduarse en arquitectura en México fue la veracruzana María Luisa Dehesa en 1937, pero no fue hasta 1960 que Aurora Campos Newman obtuvo por primera vez como mujer el título de Diseñadora Industrial por la Universidad Iberoamericana de la Ciudad de México. 

No obstante, los comportamientos machistas tanto de compañeros y maestros como de colegas en el ámbito, apenas comienzan a hacerse visibles. Durante más de cinco meses, las facultades de Arquitectura y Diseño Industrial de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) se mantuvieron cerradas debido a un paro liderado por estudiantes que derivó de la indiferencia ante más de 300 testimonios de violencia contra mujeres. En una carta dirigida a la rectoría de la UNAM firmada por Mujeres Organizadas de la Facultad de Arquitectura (MOFA) el miércoles 8 de septiembre se lee: “NUNCA MAS TENDRAN LA COMODIDAD DE NUESTRO SILENCIO.” 

Con el objeto de continuar esta discusión, LATINA platicó con Andrea Flores y Lucía Soto, dos diseñadoras industriales que emprendieron como Comité de Proyectos en 2014 después de haber colaborado juntas y fungir como socias en el despacho mexicano de diseño mob. Las dos hablaron acerca de su trayectoria y su perspectiva acerca del crecimiento en el diseño en México. La entrevista ha sido condensada y editada para mayor claridad.

¿Cómo empezó Comité de Proyectos?

Lucía Soto: Andrea y yo nos conocíamos por amigos en común pero nuestra relación profesional, comenzó cuando yo hice mis prácticas profesionales a mob, donde ella trabajaba. Digamos que ahí fue donde germinamos, fue el despacho madre o la nave nodriza. Estuvimos, yo 4 años y Andrea 5, y en 2014 decidimos emprender y empezar nuestro propio proyecto.

Empezamos cada una trabajando desde su casa, sin oficina, sin inversión y sin ahorros. Muy poco a poco con proyectos de muebles e interiorismo. Y en 2016, participamos por primera vez en “Inédito” como parte de Design Week — lo que nos dio más visibilidad. Fue la primera vez que hicimos formalmente una colección con un pretexto puramente poético, estético y conceptual. No eran piezas [para] clientes, si no que eran más ganas de expresar y de experimentar. Ese tipo de trabajos han sido algo que ha marcado mucho la trayectoria de Comité.

¿Cómo fue el proceso de darse a conocer como mujeres en el ámbito del diseño en México?

LS: También tuvimos suerte de ser apoyadas por decision makers que eran, en su mayoría, mujeres. Quien nos buscó desde el principio fue Andy [Andrea] Cesarman, la primera vez que entramos a un Design Week. No sé que hubiera pasado si en Design Week no hubiera una mujer organizando y si quizás no nos hubieran buscado de ser así. Pero yo creo que si hemos sentido esta sensación de camaradería, que también se ha vivido desde la perspectiva de los medios. Nos ha buscado [por ejemplo] Greta Ancila de Glocal o Monica Khemsurov de Sight Unseen. Fueron varias mujeres que nos lanzaron la cuerda como diciendo “vengánse pa’ acá”.

AF: También nos ha apoyado mucho Carmen Cordero de la Galería Mexicana de Diseño. Si te das cuenta hay muchas mujeres subidas y navegando en el barco del diseño en México que es muy diferente a otros lugares.

Y también han colaborado con artesanos mexicanos, ¿no?

Andrea Flores: Sí, nos invitaron a participar en Visión y Tradición, una de las presentaciones que forman parte de Design Week donde tuvimos la oportunidad de conocer y trabajar con artesanos de Puebla en 2018. Visión y Tradición es el evento precursor de Ensamble Artesano que se fundó durante el inicio de la pandemia de Covid-19 en México. 

LS: Andy Cesarman lo transformó en una iniciativa de apoyo a comunidades de artesanos en México, ya no tan experimental sino de ayuda para que los artesanos pudieran vender su obra con la retroalimentación de diseñadores para crear piezas comerciales. Cesarman es un personaje importante en nuestra historia y en la historia del diseño en México hoy en día.

Londres departamento (2020), Colonia Juárez, CDMX. Proyecto de Interiorismo. Diseño y Fabricación de Mobiliario.

Pero no siempre ha sido así. ¿Cómo fue su formación y cómo han vivido este cambio?

AF: Hay una super diferencia. Cuando yo estudié (grad. 2007) era un mundo más masculino y había muy pocas mujeres en la carrera de Diseño Industrial (D.I.) comparado con cuando Lucía estudió (grad. 2010). De repente hubo un boom de mujeres en esa transición y se empezó a abrir el tema de más mujeres en la escena del diseño en México.

Fue un poco difícil para mí la UAM (Universidad Autónoma Metropolitana) y acabé la carrera con un curso trienal en el IED (Istituto Europeo di Design) de Barcelona porque me llamaba más la parte conceptual y estética. A diferencia de Lucía quien tuvo workshops durante toda la carrera en la UNAM (Universidad Nacional Autónoma de México) que es más técnica. Así nos complementamos.

LS: Es importante decir que hay que ser conscientes de nuestros privilegios. Sí estudié en una escuela pública pero mis papás tuvieron los recursos para que yo no tuviera que trabajar durante [mis estudios]. Pero, partiendo de ahí, yo soy la única mujer de mi familia que estudió D.I. Toda mi familia – mi papá, todos mis tíos y un par de primos – han estudiado D.I. en la UNAM. Entonces yo ya ya entro dentro del legado de los Soto en D.I. de la UNAM. Mi tío fue fundador de la carrera y fue director, y mi papá fue profesor durante toda la vida de la UNAM y de la UAM. Mi papá ha sido una figura súper importante en muchos sentidos pero en especial en la parte profesional.

¿Cómo funciona la relación de ustedes con los arquitectos?

​​LS: La realidad es que yo lo he vivido un poco difícil. En una de nuestras colaboraciones conocimos a un despacho de dos hombres y una chava (con quien nunca trabajamos directamente.) Ahí es donde yo más claro he sentido un problema laboral que tiene que ver con género.Uno de los arquitectos, conmigo al menos tenía respeto porque soy su par, soy dueña de mi despacho. Pero ese proyecto lo colaboramos con Fer, una chica que trabajó en Comité, y él la interrumpía cuando hablaba, y pues el mansplaining, ¿no? Hasta que ella llegó a decirnos que no era escuchada y que todo lo que decía no valía. 

Una vez, por meter a alguien más de apoyo en el proyecto incluimos a Pol, un pasante, y el arquitecto directamente me dijo: “Ay, por fin, ¡hasta que traes a alguien con quien se puede trabajar!” Literal, nada más porque era hombre. Aunque Fer, con más experiencia y capacidad, le daba quince vueltas a Pol en ese momento.

Y el arquitecto no se sentía cómodo trabajando con una diseñadora. De por sí también entre arquitectos y diseñadores siempre hay esto de que el arquitecto es “el que sabe,” y el diseñador es “el que juega.”

De la Paz mesa de comedor. Se diseñó para resaltar la belleza de la beta de la madera solida del encino blanco.

Y el término mansplaining es relativamente nuevo en nuestro vocabulario.

AF: Claro, y sí sucede. ¡No estás loca!

LS: ¡No está en tu mente! No eres una exagerada cuando sientes que el otro te está callando.

AF: Cuando yo era jefa de taller en mob, por ejemplo, liderar un taller como cualquiera lo haría me costó muchísimo trabajo. Teníamos a un maestro carpintero que tenía una cerradés conmigo como: “¿Por qué viene esta niña a tenerme que decir qué hacer y qué no hacer? Que me lo diga el jefe, tú ¿por qué? Y tú, mujer, menos.” 

Y ahora a una de las colaboradoras que están con nosotras, un carpintero llegó a hacerle comentarios de su cuerpo y obviamente ella se sintió atacada. Como diciendo: “mi cuerpo no tiene nada que ver, yo vengo a trabajar.” Y tuvimos que trabajar con el equipo de carpintería. Obviamente todavía hay mucho trabajo que hacer. Pero, ¡qué bueno que ya son cosas que se pueden hablar! 

Antes, lo que le pasó a esta chica, igual ella ni siquiera hubiera tenido la voz para decir: “me pasó esto y no me gusta.” Se lo hubiera callado pensando que es normal.

LS: Si quiera cuestionarte si te gusta o no te gusta. Hace 10 años que salí de la universidad no se podían hablar. Lo dejabas pasar y lo sufrías en otras formas: en tus relaciones personales, en muchas cosas pero no lo veías, y ahora lo ves. Antes era tan parte de tu vida que igual ni te dabas cuenta si te incomodaba que el maestro de taller te agarrara la mano mientras usabas una herramienta. Quizás para tí era así la cosa en el taller, ¿no?

Hay una gran diferencia con las generaciones de ahora.

LS: La UNAM lleva ahorita muchos meses cerrada por una huelga interna por temas de género e impulsada por las alumnas de la facultad de arquitectura y de industrial. Esta chica, Ale, es estudiante ahorita de la facultad.

Y es la primera vez que abordamos un tema interno en el despacho que tiene que ver con género. Te genera mucha ansiedad porque al verlo te sientes impotente. Pero creo que empezar a hacer cosas chiquitas como lo que hizo Ale de decir, esto no me gusta, es súper aplaudible.

Rosedal cantera. Esta mesa tiene una cubierta de vidrio templado claro, la cual se encuentra sobre por tres piezas con formas contemporáneas fabricadas en encino blanco, cantera rosa y terrazzo blanco con chispas grises

¿Qué proyectos están trabajando ahora?

LS: Estamos cerca de empezar un proyecto de diseño de interiores comercial para un edificio de departamentos con amenidades en Chapultepec. 

En departamentos como uno en la Colonia Nápoles u otro que hizo Andrea que se llamó Londres, aquí en la Juárez, tienes el trato muy cercano con el cliente entonces se convierten un poco en tus amigos y diseñas todo pensando en ellos y su vida. Nos dan mucha libertad creativa y el diseño es integral en acabados, áreas, muebles.

AF: Estamos por entregar una casa en Napa Valley cerca de San Francisco, que ha sido un muy largo proceso entre diseño y logística. Es una clienta que nos conoció por 1stdibs y amueblamos las áreas comunes de la casa. Algunas piezas fueron custommade y otras fueron ajustes a muebles de línea. Colaboramos con Emma Gavaldón quien diseñó los tapetes. Es ahora nuestro proyecto más importante dentro del despacho ya en la parte de producción. 

¿Sus influencias?

AF: Más allá de ser personas, nuestras influencias vienen de diferentes áreas como la cultura mexicana, prehispánica, el arte, el diseño brasileño que nos encanta, y la arquitectura. Tomamos esas influencias y las tratamos de traducir a sensaciones que puedan también tener una función y una forma. Y admiramos a muchísima gente como a Esrawe Studio, Mauricio Rocha, Tatiana Bilbao Estudio, Tezontle, Patricia Urquiola, Andrés Gutiérrez, Chic by Accident. Seguimos muy de cerca sus carreras porque nos parecen muy interesantes.

LS: Disfruto mucho ver diseño, me encanta. Y creo que eso va permeando mucho en la estética cuando uno diseña. Pero en general yo encuentro inspiración en sensaciones y en la vida diaria. En conceptos, filosofías y en cosas que no tienen que ver directamente con el diseño. Para mi muchas veces la introspección y preguntarme dónde estamos y a dónde vamos, es lo que me motiva para diseñar. Efectivamente la estética de las culturas prehispánicas a mi me es muy llamativa y atractiva. Me gusta mucho su manera de concebir, trabajar y representar el mundo. Estéticamente, Sabine Marcelis, Nendo, Estudio Persona, Vidivixi, Frida Escobedo y Clara Porset, son influencias importantes 

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Since the early twentieth century, the interior and furniture design scene in Mexico has been led by influential women. Immigrants who arrived to develop their professional careers in Mexico, such as the textile designer Cynthia Sargent in 1951, or the Cuban furniture designer Clara Porset in 1938, were crucial for the development of the discipline. Porset was also a curator and professor, understanding from the beginning that, as a woman, she had to work twice as hard because of the skepticism given merely for being female. 

Moreover, the first woman to graduate from architecture in Mexico was Veracruz-raised María Luisa Dehesa in 1937, but it was not until 1960 that Aurora Campos Newman obtained for the first time as a woman the title of Industrial Designer from the Universidad Iberoamericana of Mexico City.

Today, gender bias is only beginning to be redefined. Women are being heard, even though they still face skepticism, and the macho behaviors of classmates, teachers, and colleagues in the field are barely becoming visible. The #MeToo movement is still prompting substantial reverberations in the industrial design and architecture industries, both historically dominated by men. 

For example, for over five months this year, the schools of Architecture and Industrial Design of the National Autonomous University of Mexico (UNAM) were closed due to a student-led protest that resulted from indifference to more than 300 testimonies of violence against women. A letter addressed to the rectory of the UNAM signed by Organized Women of the Faculty of Architecture (MOFA) on Wednesday, Sept. 8, read: “NEVER AGAIN WILL YOU HAVE THE COMFORT OF OUR SILENCE.”

To continue this discussion, LATINA spoke with Mexico City-based industrial designers Andrea Flores and Lucía Soto, who founded Comité de Proyectos, an interior and furniture design firm, in 2014. The two discussed their careers and perspectives on the growth of the design world in Mexico. This conversation has been edited for clarity.

How did Comité de Proyectos start?

Lucía Soto: Andrea and I knew each other through mutual friends but our professional relationship began when I interned at mob, where she worked. That was where we germinated, it was the mother ship. I was there for four years and Andrea for five, and in 2014 we decided to undertake our own project.

We each started working from our homes, without an office, without investment, and without savings. Little by little with furniture and interior design projects. And in 2016, we participated for the first time in “Inédito” as part of Design Week – which gave us more visibility. It was the first time that we made a collection with a purely poetic, aesthetic, and conceptual motive. They weren’t pieces for clients, they were more for expressing and experimenting. This type of work has really marked the trajectory of the Comité.

What was the process of making yourselves known as women in the design field in Mexico?

LS: We were also fortunate to be supported by decision makers who were mostly women. The one who sought us out from the beginning was Andy [Andrea] Cesarman, the first time we entered Design Week. I don’t know what would have happened if there hadn’t been a woman organizing and if maybe they wouldn’t have looked for us if that was the case. But I believe we have felt this sense of camaraderie, which has also been experienced from the perspective of the media, with Greta Ancila from Glocal or Monica Khemsurov from Sight Unseen. There were several women who threw the rope at us as if to say “get on over here.”

Andrea Flores: Carmen Cordero from the Galería Mexicana de Diseño has also supported us a lot. You notice there are many women up there steering the design ship in Mexico, something that is very different from other places.

You have also collaborated with Mexican artisans, no?

Andrea Flores: Yes, we were invited to participate in “Visión y Tradición” as part of Design Week, an event which was the precursor for Ensamble Artesano, founded during the start of the Covid-19 pandemic in Mexico. 

LS: Andy Cesarman transformed it into an initiative to support artisan communities in Mexico, no longer so experimental but to help artisans to sell their work with the feedback of designers to create commercial pieces. Cesarman is an important character in our history and in the history of design in Mexico today.

Londres apartment (2020), Colonia Juárez, CDMX. Interior Design Project. Furniture Design and Manufacture

Yet this was not always the case. What was your training like and how have you experienced this change?

AF: There is a super difference. When I studied (grad. 2007) it was a more masculine world and there were very few women in school for Industrial Design (I.D.) compared to when Lucía studied (grad. 2010). There was a sudden boom of women during that transition and the issue of having more women in the design scene in Mexico began to open up.

The UAM (Metropolitan Autonomous University) was a bit difficult for me. I finished my degree with a three-year course at the IED (Istituto Europeo di Design) in Barcelona because I was more into the conceptual and aesthetic part. Unlike Lucía who had workshops throughout her career at UNAM (National Autonomous University of Mexico), she is more technical. This is how we complement each other.

LS: It is important to note we must be aware of our privileges. I did go to a public school but my parents had the necessary resources so that I didn’t have to work during my studies. But, aside from that, I am the only woman in my family who studied I.D. My whole family — my dad, all my uncles and a couple of cousins — have studied I.D. at UNAM. So I have already entered into the Soto legacy in the UNAM. My uncle was the founder of the degree and was the director, and my father was a longtime professor at the UNAM and the UAM. He has been a super important figure in many ways but especially in the professional part.

What is your relationship with architects like?

LS: The reality is it’s been a bit difficult. In one of our projects, we worked with an office of two male architects, which is where I have most clearly felt a workplace problem that had to do with gender. One of the architects had respect for me — because I am his equal, I own my office. But we collaborated on that project with Fer, a girl who worked with us at Comité and he kept interrupting her when she spoke and, well, the mansplaining, right? She came to us to say she did not feel heard and that everything she said was worthless.

Once, we brought a male intern in for additional support and the architect directly told me: “Oh, finally you bring someone with whom we can work!” Literally, just because he was a man and although Fer had way more experience. 

And what’s more, the architect was not comfortable working with a designer. That in itself is an issue among architects and designers. There is always this assumption that the architect “knows,” and the designer “plays.”

De la Paz dining table. Designed to make a statement around the beauty of white oak’s veneer.

And the term mansplaining is relatively new to our vocabulary.

AF: Of course, and it does happen. You are not crazy!

LS: It’s not in your head! You are not overreacting when you feel that he is deliberately shutting you up.

AF: When I was workshop manager at mob, for example, leading the workshop like anyone else would really cost me. We had a master carpenter who was very skeptical of me: “Why is this girl coming to tell me what to do and what not to do? Let the boss tell me, why you? And even less coming from you, a woman.”

Recently, one of our women collaborators, Ale, was approached by a carpenter who came to comment on her body and she obviously felt attacked. But her reaction was: “my body has nothing to do with it, I come here to work.” We had a talk with the woodworking team and while there is obviously still a lot of work to do, at least we are talking about these things.

Before, with what happened to this girl, maybe she wouldn’t even have had the voice to say: “This happened to me and I don’t like it.” She would have kept it to herself thinking it’s normal.

LS: Or at least ask yourself if you like it or you don’t like it. Ten years ago when I left university, these issues were not spoken about. You let it pass and you suffered it in other ways like in your personal relationships, but you didn’t see it. And now you see it. Before, it was so much a part of your life that you didn’t even realize if it bothered you when the workshop master grabbed your hand while you were using a tool. Maybe, to you, it meant that was what it was like in the workshop, right?

There is a big difference with the generations of today.

LS: UNAM was closed for many months now due to an internal strike on gender issues promoted by the students of the schools of architecture and industrial design. This girl, Ale, is a student there right now.

This was the first time that we had to address an internal issue in the office that had to do with gender. It causes a lot of anxiety because when you see it happening you feel helpless. But I think starting to do little things like what Ale did to say, I don’t like this, is very admirable.

Rosedal cantera. This table has a tempered glass top and has three pieces with contemporary shapes made of white oak, pink quarry and white terrazzo with gray sparks.

What projects are you working on now?

LS: We are close to starting a commercial interior design project for an apartment building in Chapultepec.

In apartment projects like one in Colonia Napoles or another one led by Andrea called Londres, here in the Juárez neighborhood, we have a very close relationship with the client so they become friends and we design everything thinking about them and their life. They give us a lot of creative freedom and the design is comprehensive in finishes, areas, furniture.

AF: We are about to deliver a house in Napa Valley near San Francisco, which has been a very long process between design and logistics. She is a client who met us through 1st Dibs and for whom we furnished the common areas of the house. Some pieces were custom-made and others were adjustments to previous line furniture. We also collaborated with Emma Gavaldón who designed the rugs.

It is now our most important project within the office.

What are your influences?

AF: Our influences come from different areas such as Mexican and pre-Hispanic culture and art, Brazilian design and architecture. We take those influences and try to translate them into sensations that can also have a function and a form. We admire a lot of people like Esrawe Studio, Mauricio Rocha, Tatiana Bilbao Estudio, Tezontle, Patricia Urquiola, Andrés Gutiérrez, Chic by Accident. We find them very interesting and follow their careers very closely.

LS: I really enjoy looking at design, I love it. And I think that this permeates a lot in the aesthetics when designing. In general, I find inspiration in sensations and in daily life. In concepts, philosophies, and things that do not have to do directly with design. Many times introspection and wondering where we are and where we are going, is what motivates me to design. Indeed, the aesthetics of pre-Hispanic cultures is very striking and attractive to me. I really like their way of conceiving, working, and representing the world. Aesthetically, Sabine Marcelis, Nendo, Estudio Persona, Vidivixi, Frida Escobedo and Clara Porset, are important influences.

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Lejos de querer emular a la Ciudad de México, la cultura tapatía ha formado a sus propios grandes maestros y movimientos artísticos sin la necesidad de ir a buscar la fama fuera de Guadalajara. Durante el siglo XX, una comunidad de diseño muy unida estableció la reputación de la capital Jalisciense como un destino nacional e internacional para artistas y diseñadores.

Desde finales de los años 40, el modernismo ganó fuerza con la fundación de la Escuela de Arquitectura en 1948 por Ignacio Díaz Morales, donde inmigrantes europeos como la fotógrafa alemana Marianne Gast y su esposo Mathias Goeritz impartieron clases con el método de enseñanza propio de la Bauhaus, el vorkurs, un curso preliminar enfocado en “learning by doing.” Esta preparación de artistas y creadores fue crucial y mantuvo el ímpetu durante de las siguientes décadas, aunque figuras al frente de la arquitectura modernista jalisciense, como Pedro Castellanos Lambley y Julio de la Peña Lomelín, habían ya precedido.

Dentro de la escena del arte, la institución de colectivos como lo fue el Corpus Callosum liderado por Guillermo Santamarina en 1990 dieron pie a la búsqueda de un sentido comunitario y de camaradería dentro de Guadalajara. Cuando artistas de la Ciudad de México comenzaban a exhibir en París, los Jaliscienses estaban bien en casa, continuando su práctica y perfeccionando su técnica. En cambio, a ferias de arte contemporáneo en Guadalajara como Expoarte en los 90s, asistían grandes galerías de Nueva York quien a su vez iban en busca de nuevos talentos.

Hoy en día, Guadalajara vibra igualmente con una escena de creadores que sigue su propio ritmo y su propio género ya sea en el arte textil, la escultura, la cerámica, la joyería o el diseño industrial. Esto fue palpable durante la segunda edición de Salón Cosa, un “encuentro de objetos contemporáneos” conformado por trece creadores viviendo y trabajando en Guadalajara que tuvo su inauguración en Guadalajara del 27 al 31 de octubre de 2021. 

“Descubrimos un territorio liberado, destapado, invertido, donde los límites disciplinarios e identitarios se doblan y desdoblan: un territorio de excepción,” describen los saloneros Mario Ballesteros y Daniela Elbahara. “De tradiciones hondas pero reimaginadas, reapropiadas, reinventadas. La perla, pero negra, la perla más rara.”

Después del éxito del primer Salón, que tuvo lugar en mayo en el antiguo taller de maquetas de la Casa Estudio Luis Barragán en la Ciudad de México, el segundo Salón Cosa GDL tuvo sede en el noveno piso del Hotel Bellwort antes Edificio Rosales, diseñado por de la Peña Lomelín en 1967.

 

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Entre los creadores está Aldo Álvarez Tostado, quien por segunda ocasión presentó Escena de Potrero, una obra ecuestre que alude al push and pull del machismo y el queerness, sobre todo en torno a la vida y obra del arquitecto Barragán, creador del espacio en que se exhibió esta silla de montar y cinturones de piel minuciosamente grabados con frases sacadas de la dating app Grindr. En una especie de provocación, Álvarez Tostado regresa el espíritu de Barragán a su mucho más conservador lugar de origen.

Siguiendo estas líneas provocativas estuvo presente la obra de Renata Petersen, quien trabaja con cerámica pintada a mano en la que pinta el deseo femenino tipo comic strip y que en esta ocasión presenta This Dick Ain’t Free, un texto en vidrio fundido.

 

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Ballesteros y Elbahara proponen un nuevo formato de exposición de arte que sea incluyente, accessible y abierto al diálogo y la convivencia entre creadores y curiosos. Artículos utilitarios que bien pueden ser arte o diseño coleccionable como lo són las lámparas trípodes de color de Marcelo Suro o los espejos de mano y pared de Alejandro García-Contreras, son ejemplos que van desde lo minimal a lo peculiar y exéntrico.

Mientras algunas como las diseñadoras textiles Julia y Renata Franco de pronto experimentan en nuevas escalas y proporciones – un vestido llamado Mosquito Net Dress impreso en digital con pigmentos naturales se elevaba en el centro del salón – otrxs como Ricardo Luévanos, reflejaron su arte por primera vez en un objeto utilitario. Su lámpara colgante It Felt Like Crashing Into the Sun, impresa en 3D y pintada a mano, es una continuación de su preocupación por la anatomía humana y animal.

 

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Por otro lado, Antonio Zaragoza y Kenia Filippini de Liberal Youth Ministry quienes probablemente sean los diseñadores más importantes en la escena del streetwear de lujo a nivel mundial, diseñaron una backpack impresa en 3D y pintada a mano con 13,000 Swarovskis aplicados a mano. Mientras que las bancas tapizadas de lana diseño de Peca Studio y las vasijas Biznaga de Chamula Hecho a Mano así como su armario, Tritón – colaborando con Pablo Pajarito y Antonio Medrano – fueron otra muestra de la expresión que se logra trabajando en colectivo en Guadalajara. Y que no se estará quieta anytime soon.

La tercera edición ya está en camino y está programada durante Art Week del 9 al 13 febrero de 2022 en la CDMX.

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Guadalajara’s culture has always formed its great masters and artistic movements without the need to seek fame outside of Jalisco or emulate the art scene of Mexico City. During the twentieth century a tight-knit design community established the Jalisciense capital’s reputation as a domestic and international destination for artists and designers.

Beginning in the late 1940s, the Modernism movement gained strength in Guadalajara, the second-largest city in Mexico, with the founding of the School of Architecture in 1948 by Ignacio Díaz Morales. During the school’s initial years, European immigrants including German photographer Marianne Gast and her husband Mathias Goeritz mentored students, and taught the Bauhaus method, the “Vorkurs,” a preliminary course focused on “learning by doing.” This pedagogy was compelling for local artists and creators and sustained Modernism’s thriving momentum in the Mexican city for the following decades, although local figures at the forefront of Jalisco’s Modernist architecture preceded this period, such as Pedro Castellanos Lambley and Julio de la Peña Lomelín.

Within the art scene, the establishment of art collectives in the ‘90s like Guillermo Santamarina’s Corpus Callosum gave rise to a potent search for community and camaraderie within Guadalajara. When artists from Mexico City began exhibiting in Paris, los Jaliscienses were fine at home, continuing their practice and perfecting their technique. On the other hand, throughout the ‘90s prominent New York galleries attended contemporary art fairs in Guadalajara, such as the cutting-edge fair Expoarte, in search of new talent.

Today, Guadalajara continues to vibrate with a scene of creators that follows its rhythm and its genre, whether in textile art, sculpture, ceramics, jewelry, or furniture. This was palpable in the second edition of Salón Cosa, a “gathering of contemporary objects” made up of thirteen creators living and working in Guadalajara which took place from Oct. 27–31, 2021

“[These creatives] will open our vision to new horizons, to a free and exceptional territory. A territory whose deeply traditional roots are now reinvented,” said the show’s curators Mario Ballesteros and Daniela Elbahara.

After the success of the first Salón, which took place in May 2021 in the former model workshop of the Luis Barragán House and Studio in Mexico City, Salón Cosa GDL set up shop on the ninth floor of the Bellwort Hotel — formerly Edificio Rosales, designed by de la Peña Lomelín in 1967.

 

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Among the creatives was Aldo Álvarez Tostado, who for the second time showed “Escena de Potrero.” In a kind of provocation, Álvarez Tostado returns Barragán’s spirit to his much more conservative place of origin with a pair of belts and a saddle engraved with phrases taken from the Grindr dating app. The equestrian work alludes to the tension between machismo and queerness, especially around the life and work of the architect Barragán.

Following along these provocative lines is the work of Renata Petersen, who works with hand-painted ceramics expressing female desire and who on this occasion presented “This Dick Ain’t Free,” a text in fused glass.

 

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Ballesteros and Elbahara propose a new art exhibition format that is inclusive, accessible, and open to dialogue, one mixing “complexity and contradiction, high with low, business with pleasure, sense and shock, celebration and community-creation.” Utilitarian items or collectible designs, including the colored tripod lamps by Marcelo Suro or the hand and wall mirrors by Alejandro García-Contreras, are examples that range from the minimal to the peculiar and eccentric.

While some experimented with new scales and proportions, like the textile designers Julia and Renata Franco with their “Mosquito Net Dress” towering in the center of the room, others like Ricardo Luévanos, transformed their art for the first time into a utilitarian object. His 3D-printed and hand-painted “It Felt Like Crashing Into the Sun” pendant lamp, is a continuation of his understanding of human and animal anatomy.

 

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Antonio Zaragoza and Kenia Filippini from Liberal Youth Ministry (LYM) who are possibly the most important designers in the luxury streetwear scene worldwide, designed a backpack printed in 3D and painted by hand with 13,000 Swarovski crystals applied by hand. While the upholstered wool benches designed by Peca Studio and the breast-like “Biznaga” vessels by Chamula Hecho a Mano, as well as their blue wardrobe, “Tritón” — in collaboration with Pablo Pajarito and Antonio Medrano — were another example of Guadalajara’s creative expression, one that will not be slowing down anytime soon.

The third iteration is already on its way and is set to open during Art Week in Feb. 2022 in CDMX.

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